ENTREVERADOS, de la serie Germinal 2013 – Técnica mixta. 60 x 16 x 5 cm (medidas variables, según sea obra de apoyo, o mural horizontal o vertical) Mdf, alambre forrado con hilo de algodón, anudado

 

Dedicada desde 1977 a las artes visuales –y con estudios previos como profesora nacional de inglés- Noemí Schneck se formó en los talleres de Tana Sachs, Cristina Dartiguelongue y Luis Negrotti, donde experimentó con distintos materiales como los metales, fibras, papel, telas endurecidas, fibras plásticas y diversos materiales industriales aplicados a la pintura, la escultura y las instalaciones pero fundamentalmente al arte textil.

Oportunamente dije sobre la obra de Noemí que “la organicidad de los materiales, la profunda necesidad de reelaborar el pasado y transitar las experiencias amorosamente, el recurso de los sintético como herramienta creativa pero sin por eso perder de vista la influencia de la naturaleza –inclusive la humana-, crean un  estado de situación donde la obra de Noemí Schneck se siente cómoda para emerger. Todo refiere a la naturaleza directa o indirectamente porque el hogar que habitamos, el mobiliario que utilizamos, son elecciones del orden de nuestros deseos, de nuestra esencia y a partir de ellos creamos el entorno donde vivimos”.

ESTAR, de la serie Mudanza, 2013 – in progress – Técnica mixta. 14 x 7 x 6 cm. Mdf, alambre forrado con hilo de algodón, anudado

 

Y fue ese camino el cual la llevó a obtener –entre otros-, el Gran premio adquisición del Salón Nacional de Artes Visuales (2010) y el 1º Premio. Salón Minitextiles del Centro Argentino de Arte Textil (2008). Su obra participó de muestras en el Museo Sívori, Palais de Glace, Centro Cultural Recoleta, Museo de Arte Moderno, Fondo Nacional de las Artes, Centro Cultural Plaza Defensa y otros, en Buenos Aires; en los museos Mariano Moreno, Bernal; Castagnino, Mar del Plata; Latin American Museum of Textile Art, Miami; Museo de Arte Moderno, Chile; Central.Museum of Textiles, Lodz, Polonia.  

Serie MUDANZA , 2013 – 2018 – Políptico de 6 piezas – Técnica mixta. 12 x 18 x 10 cm cada pieza, medidas aproximadas. Madera, alambre forrado con hilo de algodón, anudado

 

Maria Carolina Baulo: Una constante en tu trabajo es la economía de recursos, la preponderancia de la monocromía, la producción en serie y el uso de materiales industriales. Contanos sobre estas elecciones formales y estéticas que haces.

Noemí Schneck: La apropiación de materiales que, en su cotidianeidad, no se utilizan para hacer arte me atrae profundamente. Ver un hierro oxidado en la calle, un material interesante en una zinguería, un rollo de alambre o de tanza, una maraña de estopa, etc. implican la urgencia de tenerlos y manipularlos para que devengan en arte. Con respecto a la producción en serie, tomé conciencia de ello cuando analicé mi producción para organizar mi sitio web. Y es que cuando un tema que se apodera de mí, necesito varias etapas para su completitud. Un objeto encontrado o un material diferente pueden dar origen a la primera obra. Luego sucesivas expresiones del mismo tema aparecen en forma de objetos, esculturas, instalaciones hasta que siento -y es un sentir- que cerré el tema, que dije o hice todo lo que podía decir o hacer con respecto a él. Esto no significa que, en algún futuro mediato, no pueda retomarlos y seguir diciendo/haciendo lo que necesite completar.

DESCENDENCIA, 2015 – Técnica mixta. 200 x 70 x 200 cm. Esferas de red de tanza trabajada como masa, termofusión para instalación eléctrica, cable

 

En cuanto a la monocromía, puedo decir que me excede la riqueza del material como para agregarle color. En alguna oportunidad me propuse especialmente utilizar color para “descansar” de la monocromía, pero no hizo falta demasiado. Una pequeña interrupción lúdica fue suficiente para volver al monocromo tranquilo y poder agotar las posibilidades formales del material.

MCB: Objetos, esculturas e instalaciones, así como el cambio diametral de dimensiones en los formatos, son características de tu obra. ¿Por qué la elección de lo tridimensional, de tomar el espacio? 

NS: No elijo lo tridimensional. La tridimensión se apodera de mí. Más aún, cuando hago obra mural -poca hasta ahora- no puedo quedarme tan sólo en la bidimensión sin emerger hacia el espacio. Tengo que referirme nuevamente a mi necesidad, mi sentir, mi casi única manera de utilizar el muro cuando lo hago. O, en su defecto, volar libremente con forma de objeto o de piezas de una instalación o con la intervención de algún objeto encontrado o buscado. No puedo hablar de una elección consciente. Es visceral.

Serie MUDANZA , 2013 – 2018 – Políptico de 6 piezas – Técnica mixta. 12 x 18 x 10 cm cada pieza, medidas aproximadas. Madera, alambre forrado con hilo de algodón, anudado

 

MCB: Las series “Nidos” y “Mudanza” son buenos ejemplos para abordar el contenido simbólico de tu obra. Como artista, ¿crees que es importante que la parte conceptual se vea reflejada –aunque sutilmente – en el trabajo per se?

NS: Afirmar dogmáticamente sobre la importancia del concepto en la obra de arte puede llegar a ser un exceso de soberbia. Hay obras no conceptuales que son excelentes. Por otra parte, el concepto es inherente a mi obra. Trabajo con un ideario conceptual que surge en mí naturalmente. Es decir, para mí sí es importante que el concepto se refleje en la obra, pero es fundamental que el artista sea libre para expresar su idea de manera intelectual o visceral o ambas y que, si esa libertad implica un reflejo conceptual en el trabajo per se, entonces importa. Es fundamental que prime la libertad en la creatividad del artista. Personalmente, considero que el símbolo está siempre presente en la concepción artística. Puede reflejarse de manera más o menos intensa. Lo importante es la libertad para emerger de la manera que sea. Ambas series mencionadas en la pregunta, “Nidos” y “Mudanza”, son el resultado de procesos personales que se reflejaron en los objetos/obras producidos e intervenidos, inconscientemente en un principio y conscientemente a medida que fui avanzando en el proceso creativo de las series.

Serie MUDANZA , 2013 – 2018 – Políptico de 6 piezas – Técnica mixta. 12 x 18 x 10 cm cada pieza, medidas aproximadas. Madera, alambre forrado con hilo de algodón, anudado

 

MCB: Sobre la obra ganadora del Salón Nacional 2010: “Glaciares II, díganle a alguien que estamos acá…” Contanos sobre esta obra, su proceso creativo y cómo impactan las cuestiones sociales en tu producción.

NS: Los temas sociales, así como los procesos intelectuales personales, son disparadores presentes en mis obras. Es imposible para mí escindirme de la realidad social circundante o de procesos íntimos. Así, a partir de una convocatoria para un concurso en la Patagonia argentina, surgió mi primer “Glaciares…”. Pero este tema no me abandonaría. Siguió vivo en mi inconsciente y en mi consciente también y, poco a poco los módulos (así los llamo) que componen la instalación fueron apareciendo, de a cientos, de a miles quizá. Y apareció, entonces, mi concepto de glaciar. Partía de la pared, pero era aéreo, etéreo y, al mismo tiempo, presente. Para los módulos concebí estructuras piramidales partiendo de una base triangular en algunos y cuadrangular en otros, en tres medidas diferentes: pequeños, medianos y grandes, piezas que no exceden los 25cm de base y de altura, los más grandes, y van reduciendo su tamaño proporcionalmente en los medianos y en los más pequeños. Cada módulo se construyó en alambre forrado con hilo de algodón de diferentes grosores, con técnica de plegado y anudado en cada uno de ellos y entre sí para armar la instalación. Los módulos más grandes se unían primero para ir en orden decreciente de tamaño hacia el espacio. El resultado fue una cascada blanca, de 200cm de altura, que parecía desintegrarse en su blancura para volverse a integrar en su totalidad, sin perder su cualidad etérea. Me importa la ecología. Me importa mi país. Y creo que tenemos que cuidarlo en la medida de nuestras posibilidades y en el lenguaje que nos es más cercano al corazón.

Maria Carolina Baulo

FABIANA LARREA- El Mensaje en la botella – Intervención en el paisaje – Puerto Tirol – Chaco 2016 2017-baja resolución

 

Artista Visual, oriunda de Puerto Tirol, Chaco, Fabiana Larrea formó su carrera estudiando el Profesorado de de Grabado y Dibujo en el I.S.P.E.A.B.A. Alfredo Pértile de Resistencia. Como gestora de proyectos, coordinó Encuentros Nacionales y Sudamericanos de Grabado en Resistencia y en la sede del Museo Provincial de Bellas Artes René Brusau, fue co-fundadora de Grabar, asociación para la difusión del grabado con el apoyo de Fundación Antorchas y coordinó el Proyecto de Intercambio Lingüístico Cultural Argentina-Francia (P.I.L.C.A.F.). Sus intervenciones textiles se expusieron en espacios tales como la Casa de las Culturas de la provincia del Chaco, Facultad de Arte, Diseño y Ciencias de la Cultura dependiente de la Universidad Nacional del Nordeste en Resistencia, en el Teatro Oficial Juan de Vera de la ciudad de Corrientes, Fundación Federico Klemm en Buenos Aires y el Museo Provincial de Bellas Artes Juan Ramón Vidal de la ciudad de Corrientes.

Un trabajo elegante, delicado, donde la trama atrapa mucho más que las fibras que la componen.

FABIANA LARREA-Sin título -Intervención Teatro oficial Juan de Vera – Corrientes- 2012

 

Maria Carolina Baulo: Me gustaría empezar conociendo sobre tu proceso creativo y el lugar que ocupa en el concepto en la construcción de la obra.

Fabiana Larrea: Generalmente comienzo haciendo un conjunto de trabajos. A medida que voy avanzando, cuestiono mí propio hacer hasta que hay un momento en el que creo que hay algo para mostrar. Es ahí cuando me muevo hacia el objetivo y es cuando pienso en el espacio, sala, institución que albergue mi propuesta. Mis procesos a veces se demoran hasta llegar a dar con una obra que me genere algo de certeza.  De a ratos escribo mucho, intento capturar cada idea por absurda que parezca. A veces intento retener las últimas palabras de mis sueños, aunque no siempre lo logro.  O a la mañana, luego de mi meditación cuando me dedico a estar con las plantas, en ese momento aparecen ideas o afirmaciones que las tomo como hipótesis sobre las que luego comienzo a escribir, siempre con tinta muy aguada, nada tan firme. Entiendo a los tejidos como una forma de escritura que luego intento leer y transcribir.

FABIANA LARREA-Protegerte de mi-Acción-Parque Cambá cuá-2- Corrientes- 2012-baja resolución

 

MCB: Y ¿cuáles son los materiales que te permiten plásticamente ejecutar todo ese proceso que elaboras mentalmente? Sería interesante conocer un paso a paso de tu técnica tomando como ejemplo una obra textil de interior.

FL: Actualmente trabajo con hilos (monofilamento de nylon, pet, silicona, hilos de coser, alambres) o con todo tipo de materiales que puedan ser hilados (retazos de telas, botellas, tallos vegetales, azúcar). Elijo materiales que están en mi entorno próximo, que son propios del lugar donde vivo o que encuentro frecuentemente en mi hogar.  Prefiero aquellos que son neutros, transparentes o monocromáticos.

En 2014 comencé a trabajar con las sombras proyectadas por hilos de coser blancos. En estos casos, realizo tejidos en ganchillo que luego son tensados, en algunos casos, sobre estructuras de acero inoxidable, conformando una especie de urdimbre sobre la que luego puedo bordar. Estos tejidos son casi imperceptibles a la vista y al ser expuestos, generan sombras que se dibujan sobre las paredes. En 2015, para realizar la obra “Todo Duerme”, coloqué en un rincón de mi taller una trama alabeada sobre la que durante las siestas de invierno fui calcando con hilos blancos el paisaje interior de ese espacio, como evidencia de las siestas del norte argentino.

FABIANA LARREA-La invención del silencio – Espacio Osde -Resistencia -2013-baja resolución

MCB: Contanos sobre la experiencia en Puerto Tirol.

FL: Desde mediados de 2016 hasta principios de febrero de este año, estuve dedicada a concretar una obra en Puerto Tirol que se llama El mensaje en la botella: Un amigo que comenzaba a incursionar en la fotografía buscaba lugares para hacer sus imágenes y yo lo invité a que venga a, Puerto Tirol. Al tiempo le pido ver su trabajo y me encuentro con imágenes de botellas tiradas en el rio, la laguna y en casi todo el paisaje. Sentí una sensación extraña.  Me preguntaba cómo habían llegado cada una de ellas a esos lugares. Como habría sido el momento en que alguien las arroja, que pensamientos atravesarían las mentes de esas personas en esos instantes. Veía una modificación colectiva del paisaje y sabía que había allí alguna punta para empezar a trabajar. No tenía forma de seguir el rastro de cada envase para saber cómo llegaron allí, pero la huella estaba. Entonces me propuse hacer un desplazamiento de esas huellas hacia un lugar en el que fueran más evidentes, para eso pedí la colaboración de los habitantes de puerto Tirol. Fue un trabajo muy vincular con la gente, visitaba casas, escuelas, radios. Me interesaba propiciar ese contacto.  Durante un año recolectamos botellas y deseos. Empleé ese material para intervenir el paisaje en un espacio ubicado en el ingreso al pueblo. En diciembre de 2017 habilité el ingreso al público. La gente podía ir a compartir el espacio, llevaban sus sillas, mate y tereré, mientras Claudio Rossi   improvisaba mezclando sonidos propios del lugar con  guitarra y dispositivos electrónicos. El público durante todo ese tiempo, continuaba  renovando sus deseos en las botellas. Actualmente éste trabajo continúa colgado, no está abierto al público. La vegetación va recuperando su lugar y el viento norte va haciendo que los tensores vayan venciéndose. Periódicamente voy al lugar a registrar este proceso.

FABIANA LARREA-Sin título 3 -de la serie Ahoras 2008.

 

MCB: Casos como el de Puerto Tirol se vinculan con las acciones, las intervenciones urbanas o en la naturaleza y en este caso del orden de lo efímero. ¿Cómo te relacionas con esta idea de la obra que desaparece físicamente más allá de un registro fotográfico o filmación de la acción?

FL: Las obras efímeras, generalmente son proyectos que se realizan con la colaboración de mucha gente y en éste sentido, yo pienso que la materialidad desaparece, pero los vínculos afectivos dejan huellas. Creo que son gestos para recordar nuestra impermanencia en esta vida (porque, aunque creo que hay otras, no puedo tener certezas). Pienso cada obra como un recordatorio de cosas como el cuerpo, la vida o el amor que, por simples, olvidamos y por frecuentes, descuidamos. Me interesa construir espacios que invitan a explorar la potencia del silencio, y la conciencia de presente. Lugares que puedan ser habitados, aunque más no sea, por periodos de tiempo breves. Busco generar experiencias afectivas.

Maria Carolina Baulo

Passeo di Palmyra ’18 concrete and animal skull 22’h x dim var. Photo Cervin Robinson

 

After I missed seeing Lucy Hodgson’s solo show Hail and Farewell: Tyrants at Play at SOHO20 in Bushwick, I saw the work installed in her studio. I was drawn there, in part, by the passion in her artist statement excerpted here:

As a sculptor and printmaker, my three dimensional works and etchings express outrage at the ongoing obliteration of antiquity due to warring factions. The ingredient that motivates the carnage is, of course, not religion — the trope used to manipulate war— but petroleum. In the Middle East, monuments that took centuries to plan and build have become rubble and dust.  Since the need for fuel – primarily for military purposes at first – arose at the beginning of the 20th century, we have seen ancient cultural heritage sites become magnets for foreign greed and for despotic acts of wanton destruction.

See the Conquering Hero Come, 2018, concrete and steel app. 80’hx 24’w x 30’d photo L. Hodgson

 

My latest constructions represent the ruined temples of Syria and the treasures of Iraq. Hail and Farewell: Tyrants at Play at the SOHO20 Gallery (April 19 – May 20)  is an exhibition in which I try to evoke the senses of desperation and futility that come from seeing beautiful, civilized, cleverly engineered structures wantonly destroyed for political gain. Tiny hands — whose you can guess  — ballooning from the rooftops, salute, wave goodbye, give and revoke assent, and otherwise manipulate the future.  Twisted pipes, wires, rusted bedsprings and machine parts sprout from miniature buildings and columns made from cast concrete. Black “oil spills” made from polyester seep up through the floors threatening to obliterate the whole structure.

In my past work I have protested the extraction and processing of fossil fuels by hydraulic fracturing, or fracking, and drilling– processes which destroy most of the surrounding environment…. 

Farewell to Aleppo 2018, concrete and Envirotek, 24’h ( w. pedestal 72′) x 14′ x 14′ Photo Kate Milford

 

Hodgson’s statement expresses her passion about her subject and what, how, and why her art about ancient art is vital to her. Hodgson presents her themes, materials, and contexts directly yet leaves viewers room to see the metaphors, synecdoches, humor, irony, and shadows:

1. Each art work addresses an aspect of the larger, universal problem, making each
   1. SYNECDOCHE (part of a whole): Hodgson’s pipes and columns symbolize systemic destructions of particular ecosystems and cultures.
   2. extended METAPHORS (direct comparisons). Architectural fragments denote both world heritage sites and human lives.
   3. SYMBOLS: Hodgson’s plumbing pipes symbolize oil pipelines and fracking as well as the resultant pollution of water, air, and land.
2. The installation uses light and shadows to double and triple the drama/impact of the art.

Good to the Last Drop 2011 sassafrass pine and steel 90′ x 14′ x 8′ Cervin Robinson photo

 

The studio is in transition since the artist is moving to Rhode Island soon. Her huge press is already gone. However, she has set up lighting so that I can see Paseo to Palmyra, 2018 (concrete and rodent skull), the passageway of double columns with the same tiny hand on top of each column. These create taller shadows whose symbolism could mean anything from hello to goodbye to “Heil, Hitler”: a multivalent message. The small hands allude to a key authority figure. Hodgson tells me the title and art refer to the Temple of Baal (1st C. A.D.) in Palmyra, Syria, the most important temple in the Middle East, which was destroyed by ISIS in August, 2015. Online images show dramatic pictures of Isis literally blowing it up and also beheading the 82-year-old Director of Antiquities.

Taking it All to a Higher Power, 2017 is a curious tower structure of concrete, wire, Envirotek, and steel pipe. It alludes to the mud towers in Yemen that Freya Stark writes about her 1937-8 accounts in her book A Winter in Arabia.  Clearly, Hodgson’s mud tower alerts us about the country’s poverty as it reminds us of the ongoing civil war.

See the Conquering Hero Come, 2017 could be a horse’s head or a camera; its triple shadows allude to those cast worldwide by the oil industry. The head with curious nobs and pipes stands on a slender pipe with tripod camera legs.

Farewell to Aleppo, 2017 is a multi-column building with a hand waving atop its domed roof. This mourns the destruction of another temple leveled by bombs and war and also represents the thousands of deaths in the region. The hand suggests that the United States, rather than acting like the voice of reason, shares responsibility for the region’s devastation.

Where the Wild Goose Ends Up 2013, goose breastbone and wings, Envirotek, painted wood. 14′ x 14′ x 3′ photo Cervin Robinson

 

Earlier sculpture in the studio includes Good to the Last Drop – from a series on trees being destroyed by fracking, and Where the Wild Goose has Gone – a framed goose breast bone with wing shoulder bones in a wire cage on a black oil (Envirotek) background.

In the studio, some tools are still in their places, but Hodgson’s pending move is forecast in a labyrinth of empty bookcases. These plus three walls of windows at the far end of the studio suggest an artist whose large body of work encompasses a compassionate world view beyond the neighborhood.  See LucyHodgson.com for a fuller picture.

By Jan Garden Castro

Currency Converter, 2016. Various objects, pigment print on archival paper. Courtesy Tanya Bonakdar Gallery, New York . Photo: Jean Vong

 

Agnieszka Kurant discusses the concept of collective signatures, including one for the façade of the Cleveland Museum of Art. She is the Ida Ely Rubin Artist in Residence at the MIT Center for Art, Science, and Technology.

Agneiszka Kurant:  As we have learned, Facebook gave away personal data of 50 million citizens to Cambridge Analytica for targeted political propaganda purposes. So these theoretically harmless exploitations may not only bring profit to private corporations but also destabilize our democracies. The A.A.I. project allowed me to think about how societies, communities and social movements are creating collective personalities that are like super-organisms with one collective personality/identity. I was inspired by a collective intelligence organism called the slime mold, which despite the lack of any nervous system becomes intelligent in aggregate: if in danger, millions of disparate cells come together and move as one unit. I also thought about the fact that contemporary production is based on crowd creativity. Internet memes resemble the monuments of human imagination such as the Bible and mythologies, which were also created collectively and anonymously. Today these new quasi-monuments circulate and mutate like viruses.

The End of Signature, 2013. LED light sign, housing projects, central Utrecht. Courtesy of TAAK Utrecht. Photo: Jannes Linders

 

The project The End of Signature reflects further on this train of thought – this phantom, dormant capital that can be aggregated when people get together for a social movement or a common cause. I was also thinking that, especially here in America, people are thinking about how little impact they have over politics and over what’s happening in this country. The last presidential election made people realize that actually, even people who are dispossessed, in aggregate, do have an impact and can possibly make a change. It’s not necessarily a change for good but perhaps these aggregated energies can be captured for a good cause, as with the collective intelligence of Wikipedia, where hundreds of thousands of people contribute their work for the common good.

Since 2013, I’ve been creating collective signatures for various communities and social movements. The first time I did it was in Utrecht in the main public square, where a disturbing thing was happening. The center of the city was mostly privatized, but a thousand people were living in a housing project on that formerly public square.  The building is from the ‘70s and three generations are living there, but it became an island of public property in the middle of private property. There was a conversation about whether the space still belonged to them or not. I generated a collective signature by collecting all the signatures of people who lived in this building – of various ethnicities, backgrounds, and ages.

The Half Life of Facts, 2017. Pigment print on archival paper. Courtesy Tanya Bonakdar Gallery, New York and Galeria Fortes D’Aloia and Gabriel, Sao Paulo. Photo: Jean Vong

 

Further on, I have generated signatures for various communities joined by a common cause or a protest movement. For example, I did one for the protest movement last year in Poland against the fascist government, and one for some representatives of the Occupy Wall Street and the Indivisible movements.

In Cleveland, the subject for the 2018 Triennial is: an American City. Cleveland is part of the rust belt, and there’s a conversation about what agency people have in this city, how many are left out, and what is the role of public institutions and the cultural, financial, and intellectual capital that can be harvested. So for this iteration I am generating the collective signature out of the signatures of all the people that contribute to the cultural, financial, and intellectual capital of the Cleveland Art Museum – from the guards, cleaners, and temporary workers to the curatorial staff to the board of this museum. As in earlier instances, I worked with a computer programmer to generate this form using an algorithm created especially for this purpose. The signatures are scanned and then this custom-made program fuses all the signatures into one averaged aggregated form. It will be displayed on the façade of the Cleveland Museum of Art.

Assembly Line, 2017. Realized with the participation of the workers of the Amazon Mechanical Turk online crowdsourcing platform
3d-printed resin, copper, nickel. Courtesy of Tanya Bonakdar Gallery
Photo: Jerry Liu

 

Castro: What is the process for displaying it?

Kurant: I developed a system which allows for rendering visible the flows of energy. In my practice, I collaborate constantly with various professionals, including engineers. I’m working with a high-end light studio in New York. We developed a form which imitates the flow of ink with light. It’s going to be an LED light sign, but it looks like a flow of black ink — as if an invisible hand was perpetually signing the museum wall. It’s all done with light technology. The previous iterations of this piece were done with actual liquid inks .

Castro: This is a further advance of the technology.

Kurant:  Yes. I have been interested in how, in the contemporary world, social energies can be compared to and converted into other forms of energy, e.g. kinetic or electrical. The contemporary economy, in which both money and labor are undergoing gradual dematerialization, relies more and more on the circulation and transformation of energy into and out of form. Economists since middle 19th century have been comparing the principle of conservation of energy in thermodynamics to the conservation of value in economics. A Ukrainian socialist, Sergiey Podolinsky, unsuccessfully tried to persuade Engels and Marx that energy was a more correct value principle than embodied labor. He anticipated that in the future energies will become currencies. After Nixon and the end of the gold standard, the value of money is no longer guaranteed in gold.  Since then, people are looking at energies to see what can guarantee the value of money. A few days ago, Venezuela created a crypto-currency, the value of which is based on their oil resources. The only thing needed to power a digital crypto currency such as Bitcoin is electrical energy, since even the management labor is automated. In the contemporary world, social energies are being mined in the same way that oil or gas or gold were mined before. Today, we no longer know when our labor or social capital is being harvested. Private corporations use behavioral forecasting to capitalize on predictions of our future decisions, movements, and habits. Our interactions are a dispersed social factory. This is complemented by all the trumped up waves of social unrest caused by the bots, the click-farms, troll farms – fake social energies, positive or negative.

Untitled , 2014 . conveyor belt and mirror Courtesy Tanya Bonakdar Gallery, New York Photo: Jean Vong

 

Castro: What are click farms?

Kurant: Entire warehouses stuffed with people who spend all their time clicking and liking pages for money. Troll farms are similar warehouses, in Russia, for example, that are creating dis-information — fake news – and posting it to generate waves of positive or negative energy. All this is being harnessed and harvested by algorithms. In the collective signature, algorithms allow quantification and valorization of social energy. My work is about how aggregated social capital can be used for good causes. Its value can even be calculated.

By Jan Garden Castro

Read more about Kurant.

Galeria Schlifka Molina 2014

 

Nacida en Buenos Aires, Cecilia Mendez Casariego es escultora y docente, formada en Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano” como Maestro Nacional de dibujo (2002) y Profesora en Artes Visuales (2012). Su formación se completa con las clases de dibujo con Marcia Schvartz en la Escuela de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova así como las clínicas de obra con Sergio Bazán y Silvia Gurfein.

CMC se cuestiona sobre las identidades, las apariencias, aquel rostro que nace con uno y aquel que se va transformando con el tiempo en la interacción con el entorno que habita. Y se preocupa por entender cuál de todas esas caras es la verdadera, o quizás todas ellas lo sean. Como escultora, se apoya en la figuración contundente de los gestos expresados en los rostros de los niños, en escalas totalmente disonantes con la realidad lo cual nos permite tomar cierta distancia pero aun así sentirnos tocados, identificados. Dice la artista: “El rostro humano se convierte en superficie de proyección de temas existenciales como la búsqueda de significado e identidad personal, proponiendo una reflexión sobre la persistencia de la existencia humana”.

Diámetro y Caída, Galería Schlifka Molina, 2014 (2)

 

En el 2013 es seleccionada para participar en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires. Participa en diferentes muestras individuales y grupales siendo las más destacadas de la última década: “Los infantes en el paraíso”, Centro Cultural Recoleta (2015); “Diámetro y Caída”, Galería Schlifka Molina (2014); Bienal de Arte Joven, Ciudad Cultural Konex (2013); “Vistiendo época”, Mito Arte Contemporáneo, Uruguay (2013); “Tópica dérmica”, Mito Arte Contemporáneo, Uruguay (2012); “Las Octavas”, La Fábrica Perú (2011); “Verano”, Galería Jardín Luminoso (2010).

Maria Carolina Baulo: Cabezas: el tema principal de tus esculturas ya desde 2012. Aunque creo que sería más exacto hablar de rostros y expresiones, específicamente canalizados a través de la figura de los niños. Contanos sobre esta búsqueda. 

Cecilia Mendez Casariego: Diría que me interesan mucho las personas. Trabajar con rostros es una manera de acercarse, de comprender. Observar niños, bebés, me permite conocer algo oculto, quizá no visible hoy. Es el comienzo de alguien, en un estado de pureza, de no contaminación, previas a su construcción social. Creo que ese fue el punto de partida de mi trabajo. Recopilar fotos de recién nacidos y observar.  Quería descubrir cuáles serían los primeros gestos inherentes a todos los humanos. Nuestros primeros pasos de comunicación. Ese primer diálogo que establecemos me obsesionaba, creo me obsesiona todavía. Al no existir el lenguaje, la comunicación está dada por lo visual.  Trabajo con la fantasía de que el rostro es completamente móvil, se va modificando con nuestras vivencias. La decisión de volverlos volumen es una manera de capturar esa trasmutación. Volver rígido lo móvil. Trabajar el movimiento de la forma.

Saltar con su propio explosivo, porcelana fría, 62 x 55 x 60 cm, 2013, Bienal de Arte Jóven

 

Mirándolas hoy, ya no sé exactamente qué son. A veces me preguntan si son personas muertas. No fueron pensadas de esa manera, pero podrían ser seres previos a la existencia o posteriores. Son rostros que habitan objetos. 

MCB: ¿Qué técnicas y materiales utilizas?  

CMC: La mayoría de las obras están modeladas con porcelana fría. Me interesa este material porque me permite trabajar directamente, sin moldes. Es de secado rápido, no es tóxico y es suave al tacto. Además es ¡bastante económico! El interior de las obras tiene de todo un poco, lo que encuentro para generar volumen. Me divierte mucho construirlas de este modo. Me gustan los accidentes que producen en la forma final estos materiales improvisados. No sé si es importante saber esto para leer la obra, pero a mí me estimula trabajar de esta manera. 

MCB: Renato Rita escribió: “Las inusitadas cabezas que Cecilia apoya en el cuerpo de la imaginación, incitan a una percepción interrogante: ¿podemos sostener ya en este mundo el exacerbado propósito de nuestros sentidos?”. ¿Cómo se identifica tu obra con esta definición?

CMC: Mientras trabajo me hago ese tipo de preguntas. Un conjunto de preguntas sobre el destino, el sentido de la vida, la identidad. Cuáles y cómo son las formas que vamos teniendo. Qué cosas afectan esa transformación. Cómo nos formamos afecta nuestra forma, O siempre hubiéramos sido los mismos. Elijo la cabeza y la escultura para canalizar estas preguntas.

Galeria Schlifka Molina 2014

 

MCB: Sobre la muestra colectiva (Cecilia Méndez Casariego, Cintia García y Sofía Reynal) “Diámetro y Caída” en la galería Schlifka Molina (2014). ¿Cómo funcionaron tus esculturas en diálogo con el trabajo de otros artistas?

CMC: Me gustó cómo se vieron las obras en ese espacio. Estaban desparramadas aleatoriamente por el piso de la galería, por grupos. Interrumpían el paso, aparecía alguna detrás de una pared, miraban por la ventana. No había un diálogo directo con las otras obras, y a la vez sí lo había. Intuitivamente funcionaban bien juntas. Quizá algo de la energía con que habían sido hechas.

MCB: Siguiendo la pregunta anterior, quien fuera el curador de la muestra, Sergio Bazán, calificó tu obra como una suerte de barómetro de los estados de ánimo infantiles que se hace presente tanto en los colores como en los volúmenes. Me interesa especialmente conocer cómo expresas plásticamente estas percepciones.

Esmeralda, porcelana fría, 67 x 62 x 75 cm, 2015

 

CMC: En esas primeras esculturas aparecía más visible la intención de capturar expresiones determinadas. Para mí esos gestos iban teniendo un color. En mi obra actual los gestos y los colores se fueron borroneando. Cómo si ya los hubieran transformado, dejando sólo la huella. Las cabezas se parecen más entre sí, pero a la vez cada una es única y diferente. Como una idea de inventario humano. Me interesa mucho la idea de unicidad de cada uno. Paradójicamente la idea de comunidad también está presente. Siempre pienso las obras como un conjunto.

MCB: ¿Cuáles son los planes para el futuro; ¿ pensás seguir profundizando esta línea de trabajo, tanto en tema como en estética o se te presentan nuevas inquietudes para empezar a desarrollar?

CMC: Estoy preparando una muestra para el Hospital Muñiz, encuadrado en un proyecto que se llama Museo Urbano. Tienen vitrinas en varios hospitales públicos de la ciudad de Buenos Aires. Es un proyecto que valoro muchísimo. Me parece muy loable tener la intención de acercar arte a donde  no llega con un ánimo de sanar. El vínculo entre arte y salud me interesa. Estoy trabajando con figuras humanas en escala real materializadas en algodón. Estas figuras estarán ubicadas en una caja de vidrio. Uno cae y el otro quiere escapar. También haré una muestra para Fundación Osde. Al estar sobre la calle, será vista por un público masivo. Me resulta un desafío trabajar en esculturas de mayor escala. Entre mis primeras obras había retratos de personas cercanas a mí, otras no tanto.  Tres de ellas poseen hoy en día una condición, cada una diferente pero que requiere un tratamiento, una atención especial. Tengo la intención de volver sobre esas imágenes ahora atravesadas por un proceso de recuperación. Estoy trabajando con otros materiales para simbolizar ese proceso. Los rostros poseen parches, cascos, máscaras, interrupciones. Un rescate.

Maria Carolina Baulo